阿諾爾德勛伯格自學成世界音樂大師 作品《摩西亞倫》動人心

阿諾爾德勛伯格是一個自學成才的作曲家，小時候家境貧寒，十六歲時父親去世。這些不利的環境並沒能阻止他熱愛音樂和學習音樂的決心。他八歲時開始學習小提琴，以後又自學大提琴，參加業餘樂隊，而且自己嘗試着作曲。他經常如飢似渴地去聽音樂會和歌劇，從中得到學習和薰陶。父親去世以後，由於家境日益困窘，他到一家銀行當了辦事員，以增加一些家庭收入。就在這個時候，他偶然結識了作曲家亞歷山大·策姆林斯基，並跟他學了幾個月的對位法，而這就是後來成為現代音樂傑出作曲家的勛伯格所受到的唯一的正規音樂教育。從此，他開始了音樂創作生涯。創作的早期，他稟承了瓦格納、馬勒等後浪漫主義大師的風格，運用變音體系的樂匯及規模宏大、結構複雜的手法，創作了一些頗負盛名的佳作。中期，他徹底拋棄了後浪漫主義的手法，形式轉向小型，依靠色彩的迅速替換，來獲得音樂上的變化，音樂要素中節奏和對位越來越複雜，旋律線越來越支離破碎，並擺脱了有調中心的變化音樂風格，走向了“無調性”。到了晚年，作品中“表現主義”風格躍然紙上，其樂匯極不協和，非主題性，節奏裂變成原子，旋律零七八碎，配器古怪，音樂也不再追求泛指意義的真與美，而是用鞭辟入裏的手法，去表現作曲家極為複雜的情感，其代表作《月光下的彼埃羅》。他晚期的歌劇《摩西與亞倫》體現了深刻的哲學思想，音樂表現力極強，結構雄渾一體，被公認為是20世紀的不朽傑作。

勛伯格的創作除早期作品外，大多難於被人理解，當時經常遭到冷遇。在他死後，對他的音樂的評價，也一直存在爭議。勛伯格的最大貢獻在於繼承、發展並最終打破了19世紀德國浪漫主義的音樂傳統，系統地創建了序列主義的音樂理論和方法，從而完成了從浪漫主義音樂向現代音樂過渡的歷史性任務。除了作曲，勛伯格畢生還以極大的熱情和精力從事教學工作，培養了多位世界著名的作曲大師，是一位名副其實的音樂教育家。他的無調性音樂和十二音音樂對20世紀的音樂發展產生了巨大影響，最初在德國、奧地利，後來在法國、意大利、美國等國，不少作曲家都採用他的作曲方法。而他的學生韋伯恩和貝爾格等人進一步發展和完善了他的序列音樂理論。

不同音高的各音之間的結合，不再像傳統音樂那樣，以某個音為中心，不協和和絃也不再像傳統的音樂那樣，需要“解決”到協和和絃。勛伯格採用無調性音樂風格是同他作品中的表現主義特徵相聯繫的。他從表現主義美學思想中汲取靈感，先後創作了一批無調性作品，成為第一位放棄調性的作曲家。如單人劇《期待》（1909）和説白歌唱《月迷的皮埃羅》（1912）等。這些作品表現了諸如絕望、恐懼、緊張、痛苦等病態心理或情緒，音樂語言誇張、變形、怪誕。在《月迷的皮埃羅》中，勛伯格還發展了一種介於説話與歌唱之間的説白歌唱。無調性階段的重要作品還有《五首管絃樂小品》（1909），戲劇配樂《幸運的手》（1913）等。1920年以後為十二音技法時期。經過長期的探索，勛伯格在無調性音樂的基礎上，找到了一種組織音樂材料的新方法，形成了所謂十二音音樂。作曲家用半音階中的12個音，自由組成一個音列，音列可以原形使用，也可以逆行、倒置、倒置逆行。這4種音列形式可移置於半音階的任何高度，從而可形成48種樣式。音列中的各音（全部或部分）既可相繼出現形成曲調，也可同時出現形成和絃，以此構成全曲。勛伯格後期基本上採用十二音技法進行創作，重要作品有《樂隊變奏曲》（1926—1928）、《小提琴協奏曲》（1935—1936）、《鋼琴協奏曲》（1942）、《華沙倖存者》（為朗誦、男聲合唱及樂隊而作，1947）、歌劇《摩西與亞倫》（1951）等。他在晚年偶爾也寫作有調性的作品。